El Último Aullido

El Evaristo Romero era un guatón colosal. Gigante y miserable como él solo, odioso, hediondo a vino y sobaco y siempre borracho. Un gorila de gamba y media y metro ochenta, moreno, con más pelo que el recomendable y que siempre vestía la misma camiseta de franela verde manchada de grasa, el bluyín azul que cuando se agachaba dejaba escapar ese horrible pedazo de trasero que al verlo de casualidad te hacía arrepentirte de tus pecados, y las zapatillas de lona, rotas y desteñidas. Pero había una cosa del guatón que lo separaba del resto de los mortales y lo elevaba por momentos hasta quizá el cielo: el guatón sabía tocar el blues. Y por las cosas del destino, a mí me tocó, si se puede decir la bendición, de verlo tocar por última vez. Y ver cómo pasaba por vez final sus gordos dedos por las cuerdas de su Gibson Les Paul coreana, su única y preciada posesión, aparte del carretón con el que vendía paltas por las tardes en el estacionamiento que cuidaba... Yo estuve ahí para escuchar su último grito blusero. El último aullido del guatón Romero.

Tocaba con su banda en el peor bar de San Antonio, poniéndole la música de fondo a los diez borrachines que solían frecuentar esa pocilga de cerveza barata, piscola y vino de cuarta. Se les conocía como "Los Tuertos", porque al batero le faltaba el ojo izquierdo, que según la leyenda se lo había reventado el mismo guatón en una mocha cuando eran cabros. Pero si era cierto ya estaba olvidado... Y tocando eran unos dioses, a los que ni siquiera les pagaban, sino que los dejaban tomar gratis y del malo hasta que se cerraba el boliche.

Esa noche, el guatón llegó temprano. Cuando se subió a la tarima, frente a la batería, ya se había bajado cuatro cervezas y unas cuantas cañas de tinto. Miró a su público y su sonrisa dejó apreciar los tres dientes que le faltaban, que según me dijo una vez que le invité un trago, se los había volado un cabo con el que se botó a choro cuando hizo su servicio militar, por allá por el año ochenta y dos. Enchufó la Gibson y se puso a improvisar solo, con los ojos cerrados, subiendo y bajando la mano por el mástil de madera blanca, como si le hiciera el amor a una sirena del puerto, que lo envolvía con sus brazos de humo de cigarro y lo rozaba con el vibrar de cada cuerda. "Little Wing", fue su primer homenaje de la noche al finado Hendrix. Lenta, cariñosa y dulce, la batería se mete de pronto y las cuatro cuerdas del bajo se emborracharon también entre los siete acordes magníficos. En ese éxtasis el gordo se iba, y de su mente se esfumaban las tardes de sol entre los autos y las verduras, las mañanas de resaca, que más de muchas veces lo sorprendían botado en un banco de la Costanera, en la que de repente lo veían sus dos hijos, ya cabros, de madres distintas y que no lo saludaban. Debe haber sido duro estar en los zapatos del guatón. Y toda la pena y la rabia de ser como era se las tragaba con vino, y las sacaba a patadas por el amplificador de su guitarra. Cantando era como un lobo. Y verlo allá arriba, en el Olimpo, con su pelo grasoso y mal cortado, sus bigotes indecentes y sus sobacos mojados mientras hacía llorar a su Gibson era estremecedor. Muchos viejos se ponían a conversar sus penas y a veces había hasta llanto. Y más trago. Y más vino para el guatón. Esa noche aulló todo el blues que pudo sacar de su enorme pecho. Las manos le tiritaban, y las gotas de su frente mojaban la tapa de la Gibson como una lluvia. Esa noche el guatón tocó hasta que las venas de la mano izquierda se le hincharon. Esa noche el guatón tomó pisco puro, hasta que ya no se pudo parar. Y siguió. Esa mañana lo encontraron muerto en la entrada de la miserable pieza que arrendaba. La Gibson estaba botada junto a él, con el mástil blanco quebrado por la mitad, como si hubiese tratado de darle al gordo el último apoyo. Entre cuatro lo subieron a la ambulancia que lo llevó a la morgue, y de ahí a enterrarlo a una fosa común, donde nadie lo lloró. El guatón tenía cirrosis terminal, y ese día, el de su último aullido, le habían dicho en la posta que le quedaba bien poco. Bien lo dijeron alguna vez los grandes: "Es mejor quemarse de una vez, que irse de a poco desvaneciendo... Hey, hey... My, my".

Leo Hernández.-

Mis cinco discos esenciales

A pesar de que muchos se me quedan en el tintero, como Albert King, John Lee Hooker, Eric Clapton, Muddy Waters, y muchos más, a continuación sólo pretendo hablar un poco de mis cinco discos favoritos, a mi gusto esenciales para entender el blues crudo del que trata este blog, siempre a modo de opinión personal.

Buddy Guy: Stone Crazy
Este es por lejos en mi opinión el mejor disco en vivo de Blues, o por lo menos el mejor que e escuchado, y uno de los grandes dentro del extenso repertorio de Buddy Guy. Grabado en los ochenta, una época no muy fructífera en cuanto al lanzamiento de discos para este Chicago bluesman, muestra a un Guy lleno de fuego y energía, tocando unos slides que impresionan por su rapidez y crudeza, en donde la improvisación se adueña de gran parte del repertorio. Este disco está compuesto por 5 temas; I Smell A Rat, Are You Losing Your Mind?, You've Been Gone Too Long, She's Out There Somewhere, Outskirts Of Town y When I Left Home. El primer tema deja claro cómo va a ser la performance de Buddy en el resto del disco, impresionantes solos que no por su rapidez dejan de estar llenos de sentimientos. Esto último se pone en juego sobre todo en el sentido tema que cierra el disco, como se dice "con broche de oro". Imperdible.
Otros discos del artista: Sweet Tea; Damn Right, I've Got The Blues; Blues Singer.




Robert Johnson: The Complete Recordings
Hablar de la importancia de Robert Johnson para el blues que conocemos hoy en día no se puede explicar en palabras. Muerto a los 28 años por causa desconocida (los rumores van desde el mito de que se lo llevó el diablo como motivo de un previo pacto, hasta la mas realista de que falleció por un extraño síndrome), y todo lo que se conoce de esta leyenda del Delta Blues es lo que dejó imprento en sólo dos sesiones, las cuales dieron como fruto 41 grabaciones, todas reunidas en esta doble compilación. Su nivel técnico es tan alto que Keith Richards (guitarra eléctrica de Rolling Stones) se cansó de preguntar quien era el segundo guitarrista en estas grabaciones, sin poder creer que era solo Johnson. Bueno, un disco básico para cualquier amante del estilo y que quiera entender de donde provienen los sonidos actuales del Blues.
Otros discos del artista: King of the Delta Blues Singers.




Stevie Ray Vaughan: The Sky is crying
Uffff! que decir, si hablamos de discos esenciales dentro del blues eléctrico, deberíamos poner casi todos los de SRV, difícil elegir uno. Este discazo póstumo de Stevie fue compilado por su hermano Jimmie, y reúne tanto temas que quedaron fuera de sus discos pasados, así como también temas grabados en sesiones posteriores. Incluye temazos como la increíble versión instrumental de "Little Wing", original de Hendrix, "The Sky is Crying" que recuerda coincidentemente la muerte en helicóptero del genio de la eléctrica, y otros grandes temas como "Boot Hill" y "life by the Drop", ambas de las sesiones del último grito de estudio de Vaughan, In Step. Imposible no emocionarse con este último tema, con SRV sacándole filo a la acústica, No wasted time, we're alive today / Churnin up the past, there's no easier way / Time's been between us, a means to an end / God it's good to be here walkin together my friend, Notable.
Otros discos del artista: Texas Flood; In Step.




Son Seals: Live and Burning
Este bluesero no es de los más conocidos, pero tiene un estilo para tocar la guitarra que como dice el título de este disco, es una llama ardiente. Grabado en vivo (y no de muy buena calidad de sonido), muestra a un Seals no muy parecido al de los discos de sesión, en donde aplica mucho mas Soul a su estilo de tocar el Blues. Acá no esperen más que un disco de ardientes riffs, del mismo estilo del Stone Crazy del ya nombrado Buddy Guy. Destacable el tema Funky Bitch, en donde este puro blues crudo se pone mas que nunca en juego, otro recomendable.
Otros discos del artista: Spontaneous Combustion; Lettin' Go.




BB King: King of the Blues
Pocos podrían ponerle un nombre así a un lanzamiento sin que se les vengan miles de otros fanáticos y artistas encima. Pero acá estamos hablando del verdadero rey del Blues, BB King. El legendario dueño de un talento inigualable y de la ya mítica Lucille es el músico de blues que fijó los cánones a seguir por todos los guitarristas eléctricos de este estilo que vinieran luego de él, marcando para siempre esta forma de arte norteamericano. Este box set es sin duda la antología definitiva de este prolífico bluesman. Recorre desde sus inicios con un blues bien crudo, pasando luego a influencias del jazz y el rock, con bandas en donde los bronces formaban parte esencial de su música, hasta llegar a sus intentos más pop de la década de los 90, sin duda un esencial para todo fanático del blues.
Otros discos del artista: Blues is King; How Blue Can You Get?: Classic Live Performances, 1964-1994.



Alex W. Levine.-

El Mito del Texas Blues: Stevie Ray Vaughan

As de la guitarra eléctrica y pródigo Bluesman de los años 80-90. Una vida llena de éxitos y tragedias. Stevie Ray Vaughan, el más grande guitarrista blanco del Blues.

Si podemos hablar de "fusión" dentro de este estilo, es inevitable hablar del niño prodigio del Blues texano. Stevie Ray Vaughan. Fue sin duda el gran responsable de un re-enamoramiento del público por el blues durante la década de los '80 (tarea realizada magramente en los '70 por grupos de rock británico como Led Zeppelin). Si bien esto le valió un sin número de seguidores, también le costó el repudio de los blueseros mas puristas, que lo veían como uno mas del mundo del Rock. Guitarrista virtuoso (a mi gusto personal el mejor eléctrico blues-rock de la historia), Stevie comienza a tocar la guitarra a temprana edad, influenciado por su hermano mayor Jimmie Vaughan, y a su vez por los artistas que este admiraba, como Albert King y Otis Rush. Tocó como sideman de su hermano en escuelas durante un tiempo hasta que se muda de Dallas a Austin y forma los Nightcrawlers con Doyle Bramhall, un amigo de toda la vida (autor de "Life by the drop"). En 1977 forma la banda "Triple Threat" (amenaza triple) con la vocalista Lou Ann Barton. Más tarde, ella lidera el proyecto más exitoso de Vaughan, "Double Trouble" (problema doble), que luego abandona en 1979, iniciando las labores vocales de Stevie. La nueva banda incluía también a el baterista Chris Layton y al ex bajista de Johnny Winter, Tommy Shannon. Con ambos tocaría hasta el día de su muerte.

La revelación de Vaughan como estrella de la guitarra se produce en 1982, en el famoso festival de jazz de Montreux. Curiosamente, este show debe haber sido uno de los mayores fracasos para SRV, ya que poco conocido, y mostrando claras influencias rock, fue abucheado e insultado por los asistentes a dicho concierto. Sin embargo, el buen ojo de David Bowie para descubrir el talento musical lo llevó a contratar a SRV para que tocara la guitarra en su disco "Let's Dance" (1983). Posteriormente rechaza el ofrecimiento de Bowie para realizar el world tour del disco, ya que se reúne con su banda para grabar el mítico "Texas Flood" (luego de que el productor John Hammond lo viera en el show de Montreux, le ofreció grabar su disco de manera gratuita en sus estudios). Su próximo disco, el mucho mas orientado al rock "Couldn't Stand The Weather", le significaría su primer disco de platino. El año 1985 traería el primer Grammy de la banda, por su contribución a la Blues Explosion anthology, también vería el retorno de SRV a Montreux ya como una estrella internacional, siendo elogiado por todo el público, en contraste a lo ocurrido hace sólo tres años atrás. Para el disco "Soul To Soul" se une a la Banda el tecladista Reese Wynans.

Luego de un largo período de adicción a las drogas (que produjo el deslucido disco "Live Alive"), el guitarrista es internado en un centro de rehabilitación de Georgia. Muchos dudaban si Stevie podría hacer un disco sin estar bajo la influencia de las drogas, pero esto es ampliamente demostrado en el aclamado "In Step", que le valdría su segundo Grammy En 1990 se reúne con su hermano Jimmie para realizar su último disco "Family Style". Como invitado de Clapton en su gira americana, y luego de realizar un concierto con grandes estrellas del Blues, Vaughan muere trágicamente en un accidente de helicóptero, cuando este se estrelló con un cerro próximo al lugar del show. El excelente disco "The Sky is Crying" nace como fruto de una compilación de sesiones anteriores, que realiza su hermano Jimmie, y es lanzado póstumamente el próximo año.

Si bien la discusión sobre si SRV era una estrella del rock o un gran Bluesman jamás terminara, es inevitable reconocer el gran aporte de este eximio guitarrista a este estilo, y del corazón que ponía en cada gruñido que emitía su clásica y roñosa Strato "Number One".

Como recomendación, los invito a escuchar sus discos "Texas Flood", "Couldn't Stand The Weather" y "The Sky is Crying". También es esncial su DVD doble "Live at Momtreux 1982 & 1985", en donde pueden apreciar el contraste de los dos shows.

Les dejo un par de temas, el primero "Little Wing", de autoría original de Hendrix pero que en manos de SRV se convirtió en un temón, la verdad es que mas que hacer un simple cover, Vaughan lo llevó un paso mas allá (si tienen alguna duda escuchen el original de Hendrix y verán a que me refiero) haciendo un verdadero tributo. El segundo, un clásico, "Texas Flood" del primer disco (del mismo nombre) de Stevie. Finalmente, un video, "Pride and Joy" en vivo en Austin Texas.

Raices del Blues

Bueno, siempre para entender lo que pasa actualmente, hay que remontarse a los inicios. Por eso, a continuación una breve (para lo que podría ser) historia de los comienzos del blues.

Blues, símbolo de una tristeza. Blues, historia de la esclavitud de un pueblo. Blues, manifestación de una condición de vida. Blues, una manera de liberar los sentimientos. Blues la música.

Para rastrear el nacimiento del blues. habría que ir hasta la costa norteamericana de Virginia más precisamente Jamestown y remontarse a un día de agosto del año 1619.

En esas playas, desembarcaron a los primeros esclavos negros traídos en su mayoría desde la costa oeste de África, para trabajar, en régimen de esclavitud, en campos de algodón. Con ellos portaban su folklore que se traducía en canciones de ritmos regulares en las que explicaban sus emociones, sentimientos sobre la vida y la inmensa tristeza que les producía haber sido desarraigados de su tierra.

Mundo de esclavos

Un siglo después, sólo en Nueva Orleans, había un promedio aproximado de cinco mil negros por cada cuatro mil blancos. Los hijos y nietos de esos esclavos iban a ser los fundadores del "blues" (en inglés significa "melancolía"). Decir I`ve got the blues en los años treinta y cuarenta del siglo XIX significaba aburrirse, pero hacia los años sesenta de ese mismo siglo, tenía la connotación de infelicidad.

El nacimiento del blues se produjo en las plantaciones de algodón, tabaco y maní, en los estados de Mississippi, Louisiana, Georgia o Alabama. La mano de obra en esas plantaciones era exclusivamente esclava. A los cautivos africanos que se desangraban en esas haciendas les habían quitado la libertad, pero no habían logrado arrebatarles sus costumbres. La música y el baile eran una parte primordial de esas costumbres. Aparte de las canciones religiosas, entonadas para solicitarle favores a las deidades, existía un rico repertorio de canciones paganas. Al principio se entonaban en bantú, fon, yoruba y otras lenguas y dialectos de África; luego, cuando los esclavos incorporaron la lengua del colonizador, los cantos comenzaron a decirse en inglés. Pronto esa música, viva y primordialmente rítmica, fue el fondo de una serie de temas que dieron cuenta de los infortunios por los que pasaba el esclavo en el infierno de las plantaciones. Eran los llamados work songs (cantos de trabajo), canciones improvisadas durante la faena. Una voz entonaba un verso, que de inmediato el resto repetía a coro. Se puede decir que es la primera manifestación musical del negro en América.

El Blues: Texas y el sur

No podemos decir con exactitud donde nació el blues, pero a sugerencia de los datos diremos que; en algún lugar del gran territorio que se extiende desde el interior de Georgia y el norte de Florida hasta Texas. Esta zona comprende el sur y después el este de los montes Apalaches, incluye el valle del Mississippi hasta el norte y el sur de Illinois y el Missouri Bootheel, y avanza hacia el oeste, pasando por alto los montes Ozark para abarcar el sudeste de Oklahoma y el este y el centro de Texas. Zona de granjas y plantaciones de algodón, cruzadas por terrenos de bosques de madera dura, bosques de pinos y pantanos de cipreses que han sido progresivamente despejados a lo largo del siglo XX. La mayor parte del territorio estaba habitado por los indios o era inhabitable hasta la primera mitad del siglo XIX. El algodón era el rey de toda la región y un gran número de obreros negros trabajaban -primero como esclavos- muy duro en los campos, para plantarlo, cultivarlo y cosecharlo, luego como aparceros y pocas veces como arrendatarios y propietarios de esas tierras. En zonas de plantaciones donde el cultivo era más grande, tales como el delta del Mississippi y el cinturón negro de Alabama, la población negra ascendía al ochenta o noventa por ciento del total. Casi la totalidad de los innovadores del blues que llevaron a cabo el desarrollo estilístico de esta música eran de esa zona o comenzaron sus carreras en ella. El estado de Mississippi probablemente proporcionó el mayor número de artistas durante la primera ´´epoca de las grabaciones, esto debido en gran parte a la importancia del Delta como región del blues Hoy en día esta zona se mantiene como un punto estratégico y fuerte, con mucha actividad del blues.

En 1861-1865, después de la guerra civil entre el sur y el norte, y con la victoria de este último, se abole la esclavitud. Los negros se van incorporando de apoco a la vida de los blancos, lo que implica que aprenden a tocar los instrumentos de estos mismos. De ahí que surge la figura del cantante de blues, acompañado de una guitarra.

A partir de la Segunda Guerra Mundial, surge el "Rhythm´n´blues" que es la suma de blues, guitarra eléctrica, piano y batería. Con la mezcla de las canciones religiosas "Gospel"cantada por los negros y el blues surge el "Soul".

Blues rural

Cuando se habla de blues muchos se imaginan a virtuosos guitarristas como Eric Clapton tocando inspirados solos improvisados sobre una base musical repetitiva y triste. Por esto se sorprenden cuando se dan cuenta que este estilo musical tiene un orígen absolutamente folklórico, muy lejos de las guitarras eléctricas distorsionadas. A veces sonidos tristes y otras felices, el blues rural comenzó a grabarse a partir de 1923, y los músicos negros fueron los maestros que dibujaron este lenguaje, que más tarde los músicos de rock echarían mano una y otra vez en busca de inspiración.

La leyenda de Robert Johnson. "encrucijada"

Cuenta la leyenda que Robert Johnson, nacido en 1911 en Hazlehurst, zona sur del estado de Mississippi, era un músico mediocre y que misteriosamente, de la noche a la mañana, logró convertirse en el mejor guitarrista del Delta, cuyos largos dedos demostraron un conocimiento musical que iba más allá de la edad y la época del artista. Se sabe que Johnson, casado en 1930, enviudó al poco tiempo. A partir de ese momento comenzó un largo peregrinaje por el Mississippi. Durante todo ese periplo nada se supo de él. La leyenda dice que en la encrucijada de dos caminos, al sonar las campanadas de medianoche Robert Johnson le vendió su alma al diablo a cambio de su incomparable talento musical.

No existen pruebas de los vínculos de Robert Johnson con las artes ocultas de la magia negra, sin embargo, la mayor parte de los testigos coinciden en afirmar que sobre el escenario irradiaba un halo mágico que cautivaba al público. Cantaba con una dicción levemente apagada, con una voz apasionada, agonizante y muchas veces afectada, su guitarra era brillante. Los temas persistentes en sus blues eran la desesperación religiosa y los demonios interiores, también describían imágenes de degradación y de desinhibida sexualidad. Un músico creativo y genial.

El mejor bluesmen del Mississippi. La gente que viajó y tocó con Robert Johnson dice que podía mantener una conversación en una habitación llena de gente mientras sonaba la radio como fondo, sin prestarle aparentemente ninguna atención, y al otro día tocar, nota por nota, cada una de las canciones que se habían emitido. Posiblemente, se trata del artista de blues más influyente de todos los tiempos.

En Texas grabó sus primeros discos, entre 1936 y 1937, en la cual se pueden percibir la influencia de Son House, Willie Brown, Skip James, Johnny Temple y Hambone Willie Newbern. Entre sus primeros títulos, la canción "Terraplene Blues" fue la que tuvo mayor difusión. Johnson sólo grabó veintinueve canciones en su breve carrera. Compuso algunas de las canciones más importantes de la historia del blues, como Crossroad Blues, Come on in my kitchen y Sweet Home Chicago. Dos años más tarde, cuando su virtuosismo y magnetismo lo habían convertido en el mejor músico de la región, murió envenenado por un hombre que creía que le estaba haciendo la corte a su mujer, mientras tocaba en un bar de Greenwood, en el mes de agosto de 1938. Tenía apenas 27 años. Cincuenta años después de su muerte, una reedición de todas sus grabaciones fue disco de oro y consiguió un premio Grammy.

Los primeros instrumentos utilizados

BANJO PRIMITIVO
Este instrumento, estaba construido con una calabaza alargada que había sido secada hasta conseguir que tuviera la dureza del plástico. Tenía cinco cuerdas cortadas de un largo hilo de pescar de plástico atadas al palo de madera hueca hacía las veces del mástil del instrumento. Cuatro de las cuerdas se extendían hasta el final del palo, y la quinta estaba atada cerca del cuerpo del instrumento, con una longitud más corta que elevaba el tono. Había un puente tallado a mano que mantenía las cuerdas separadas de la tirante membrana de piel de cabra que cubría el corte efectuado a la calabaza, en la lengua wolof el instrumento se llamaba halam, en la lengua de los músicos africanos que la llevaron al sur de los Estados Unidos, tiene el nombre de Banjo.

Con el paso del tiempo el banjo sufrió cambias importantes. Para 1883 el Banjo se había americanizado. La membrana de piel estaba ahora extendida sobre un armazón redondo, en un principio de madera y más tarde de metal. El mango redondeado se había reemplazado ahora por un mástil plano, y la cuerda corta se fijó al lado del mástil con clavijas, primero de madera como en un tambor y cuando cambió, las clavijas y el aro que la mantenían tirantes también fueron de metal a rosca. De este modo el instrumento era más ruidoso y puesto que las cuerdas se podían tensar más, sonaban en un tono más alto. Se había convertido en un banjo con sonido metálico.

El banjo junto con el violín fueron convirtiéndose en los instrumentos más comunes de las plantaciones del sur. Y no fue en forma definitiva el instrumento que conformaría el blues pero sí fue el instrumento que contribuyó a desarrollar las técnicas que llegaron a formar parte de los antecedentes del blues. Se le podría considerar como un estadio intermedio entre la música de los Griots (Cada lengua de Africa del Sur posee una palabra diferente para designar "cantante", pero todas ellas utilizan un termino más general, griot) y la de los primeros cantantes de blues.

En parte la razón para que el Banjo perdiera su papel central en la vida musical rural afro americana se debe a que muchas piezas de su repertorio habían sido asumidas por músicos blancos y se habían asociado con los espectáculos Minstrel (Espectáculo de variedades, con artistas en su mayoría blancos, que incluía canciones y números cómicos, generalmente imitando de forma burlona a los negros). También se puede citar los cambios en el instrumento (el tono más alto y el tensado de las cuerdas, que no podían producir una nota sostenida).

GUITARRA
Con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el dilema. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero, cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues.

El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación mi-si-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios.

Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos. Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y la melodía se tocaba deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del blues moderno.

Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de blues por los sonidos dotados de calidades vocales.

Si bien posteriormente con el propio desarrollo del blues fueron utilizado un gran número de instru con una tina de lavar invertida o un cubo de manteca de cerdo, la tabla de lavar (todos estos instrumentos de percusión africanos), la guitarra slide, hecha de una cuerda con alambre de escoba ementos, como La jarra y el kazoo, que se reemplazó en los años treinta por el bajo de una cuerda hechoxtendido a lo largo de una madera o de la pared de una casa y que al pulsarla, sonaba y deslizaban una botella de cristal a lo largo, tocada en los años treinta y cuarenta, muchos artistas del blues comenzaron de esta manera, aquellos que dieron la pauta al inicio de este género musical.

Alex W. Levine.-
Fuente: Roberto Tobares

Bienvenidos!

Bueno, acá estamos nuevamente con otro blog, que en esta oportunidad tratará lo mejor de este estilo norteamericano nacido de los lamentos de los esclavos negros, una música llena de sentimiento, que te entra por las venas, te atravieza el corazón y te muele los huesos, el Blues, o como se titula este blog el "Blues Crudo", ese que a tantos nos gusta. Para esto contaré con la esencial cooperación de mi partner Franco Cancino, otro más que calló ante los ritmos de la guitarra electrica de maestrazos como Buddy Guy, Stevie Ray Vaughan, Muddy Waters, Son Seals y tantos otros grandes. Veamos como sale...

Alex W. Levine.-